Подмигнуть
Я счастлив по умолчанию! Пжалуйста, не лезте в мои настройки
мужчина
Киев

Сообщества

 
19:16 15.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Скульптуры из тыквы. Рэй Виллефейн — американский скульптор по тыкве

Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, однако знаменитыми они его не сделали. Любимым его жанром является хоррор, поэтому решил творить в этом направлении уже не на бумаге или глины, а из тыквы. Резьба по тыкве принесла ему не только славу, но и стала удивительным материалом для его произведения искусства.
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ...
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 2
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 3
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 4
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 5
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 6
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 7
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 8
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 9
Рэй Виллефейн – американский скульптор по тыкве.Изначально Виллафейн рисовал комиксы для Марвел, ... - 10
.
Метки: скульптуры, искусство, тыква, хоррор, АЯТ
 
10:14 13.10.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа

Скульптор Ромен Ланглуа воплощает удивительные на вид скульптуры, сочетающие в себе дерево, металл, природу и нестандартный подход.
Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Удивительные скульптуры из бронзы и камня от Ромена Ланглуа (8 фото)

Метки: искусство, скульптура, АЯТ, интересный материал
 
11:24 10.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

О цирковом искусстве

Кто из нас не бывал на цирковом представлении? Хотя бы единожды, но каждый из нас побывал там, в прочем, почему мы говорим о детском возрасте? Как показывает жизненный опыт, многие из нас посещают такие мероприятия пребывая в более взрослом возрасте. Удивительная цирковая атмосфера по необъяснимым причинам притягивает нового зрителя все больше и больше.

Самые любопытные факты о цирке


Цирковое шоу — феерическое, сказочное, волшебное, красивое и восхитительное мероприятие, способное заставить человека пережить широкий спектр самых различных эмоций, начиная от удивления и заканчивая легкой ноткой грусти и драматизма. Цирк также как и любое другое искусство поделен на виды— самым впечатляющим на мой взгляд является канадский Цирк дю Солей, который регулярно радует зрителей новыми шоу, так Цирк дю Солей Торук (Toruk) является новым необычным феерическим шоу, которым можно насладиться уже сегодня.

Интересные факты, связанные с цирковым направлением:

Классический размер цирковой арены — 13 м


/ Такие параметры были приняты не на пустом месте. В прошлом, живущий в Англии некто Филип Астли практическим методом установил, что данный диаметр является самым оптимальным для лошадей, идущих по кругу на арене. Именно при таком параметре спина каждого животного фиксируется по наиболее удобным для них углом наклона. /

Вы никогда не задавались вопросом, почему у всех поголовно клоунов нос всегда представлен в красном цвете?


На этот вопрос мало кто знает ответ, ведь для того, чтобы его найти, и узнать истинные мотивы необходимо окунутся в прошлое. Так, истоки оттенка клоунского носа уходят корнями в век изобретения клоунады. Согласно историческим данным, обычные люди, нанятые небезызвестный нам Филип Астли, зачастую становились посмешищем, поскольку совершенно по дилетантски выполняли те трюки, о которых он их просил, а если добавить сюда и тот факт, что львиная доля добровольцев пребывали в нетрезвом состоянии, то становится понятно происхождение красного носа. Алкоголь в крови человека воздействует своеобразно, когда тепло расходится по всему телу, прилив крови воздействует на внутренние капилляры, таким образом нос приобретает красноватый оттенок. С того времени так и повелось, что красный нос ассоциируется с человеком, который выглядит смешно.

Цирк переполнен различными суевериями, наиболее забавное — связано с семечками.


Так, клоуны совершенно не едят семечки (во всяком случае на своем рабочем месте точно). Впрочем, не только клоуны, весь цирковой состав свято чтит запрет на поедание семечек. Более того, зрителям также настоятельно рекомендуется не приносить на представление с собой семечки. В кругу циркачей, почему-то полагают, что таким образом можно запросто «повыщелкивать» всех пришедших зрителей, соответственно снизятся продажи, а это уже чревато низкой зарплатой.

Дата 13 для циркового состава является более чем удачной.



В цирке имеется такая должность, как шпрехшталмейстера. Среднестатистическому человеку непросто выговорить его, однако такая должность считается одной из самых важных в их среде. Говоря простым языком, шпрехшталмейстер — это такой человек, который несет ответственность за ход представления.



Отдельным пунктом хотелось бы отметить дрессировку животных. Увы, но иногда она бывает достаточно жестокой.


Многие согласятся с тем, что дрессировка далеко не самый простой и легкий процесс. Суть данного мероприятия заключается в том, чтобы вынудить любое животное выполнять какой-либо трюк. Впрочем, есть и хорошая новость для тех, кто не приемлет совершенно никакой жестокости по отношению к животным — организации по защите животных всегда начеку и яро бдят за всеми действиями дрессировщиков. Если такому представителю только покажется, что имело место жестокое обращение, исковое заявление мгновенно летит в судебный орган.

/ В прошлом, был даже случай, когда одна из компаний выплатила денежную компенсацию в качестве штрафных санкций (270 тыс. дол). /

Откуда пошло наименование«цирк». На этот счет имеется 2 версии:
— по одной из них, название произошло от лат. circus, что в переводе значит «круглый»

— по другой же версии считается, что «цирк» имеет отношение к Цирцее, известной ведьме, превратившей спутников Одиссея в хрюш.

Клоунофобия — разновидность современного страха.


Сложно сказать откуда у человека возникает подобного рода боязнь, ведь более веселого и добродушного персонажа, чем клоун едва ли можно отыскать. Кто-то объясняет появление фобии заслугой нынешней кино индустрии, выпускающей фильмы ужасов с главными героями — зловещими клоунами. С психологической точки зрения такую боязнь объясняют внутренним неприятием образов, схожих с человеком.

Метки: факты, цирк, АЯТ(искусство)
 
19:51 08.10.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

В Вене открылась выставка Питера Брейгеля

«Битва Масленицы и Поста» Питера Брейгеля Старшего, Венский музей истории искусств 2 октября в Венском музее истории искусств открылась выставка нидерландского художника Питера Брейгеля Старшего. Она приурочена к 450-летию со дня его смерти, которое отмечают в следующем году, и продлится до 13 января..

Это первая большая сольная выставка Брейгеля — за все время

Питер Брейгель Старший, или Мужицкий (около 1525 — 1569) — важнейший фламандский художник позднего Возрождения и самый известный из всех Брейгелей. Его сыновья — Питер Брейгель Младший и Ян Брейгель — тоже были живописцами. Он жил и работал в Антверпене, а затем в Брюсселе, где и был похоронен. Брейгель прославился своими пейзажами и жанровыми картинами со множеством персонажей.

На сегодняшний день известно о 40 живописных работах, 60 рисунках и 70 гравюрах Брейгеля. Большую часть сохранившегося наследия — около 30 живописных произведений и 60 рисунков и гравюр — покажут на выставке в Вене. Такое число работ Брейгеля одновременно в одном месте выставляют впервые.

В Венском музее истории искусств и без того находится крупнейшая живописная коллекция Брейгеля в мире — там хранятся 12 его работ из коллекции австрийских Габсбургов (самую знаменитую работу в собрании венского музея — «Вавилонскую башню» — даже называют аллегорией габсбургской монархии). На втором месте по числу «брейгелей» в коллекции — Королевские музеи изящных искусств в Брюсселе с шестью картинами художника.

«Охотники на снегу» Питера Брейгеля Старшего, Венский музей истории искусств

Одни картины до этого сотни лет не покидали свои музеи, другие — никогда не выставлялись вместе

Работы Брейгеля Старшего для выставки собирали по всему миру: и в музеях, и у частных коллекционеров. Картины и гравюры привезут из Берлина, Вены, Мадрида, Антверпена, Рима, Праги, Лондона и Роттердама. Некоторые полотна не выставлялись в других местах десятками, а то и сотнями лет. В том числе, потому, что многие работы Брейгеля выполнены на деревянных досках, которые со временем становятся все более хрупкими — и сотрудники музеев опасаются, что они могут пострадать при транспортировке. Вероятно, поэтому Метрополитен-музей в Нью-Йорке отказался предоставить для венской выставки принадлежащее ему полотно «Жатва» — одно из цикла «Времена года», изначально содержавшего шесть картин. Всего из этой серии сохранилось пять живописных произведений: четыре можно будет впервые увидеть выставленными вместе.

Кроме того, в Венском музее в первый раз одновременно выставят две версии «Вавилонской башни» Брейгеля Старшего. Одну — из Вены, вторую — из музея Бойманса ван Бенингена в Роттердаме. Доподлинно неизвестно, какая из этих картин была написана первой, но полотно из венского собрания называют «Большой Вавилонской башней», а из роттердамского — «Малой». Еще один вариант того же библейского сюжета в исполнении Брейгеля хранится в Дрезденской картинной галерее.

Некоторые работы отреставрировали специально для выставки

Музей истории искусств начал готовиться к выставке еще шесть лет назад — в 2012 году в нем начался исследовательский проект, посвященный творчеству Брейгеля Старшего. Все 12 работ из собрания музея заново исследовали при помощи инфракрасного сканирования и рентгеновских лучей — и открыли некоторые до сих пор неизвестные особенности творческого метода Брейгеля. Например, ученые выяснили, что на эскизах картин художник всегда сразу четко прорисовывал контуры человеческих фигур — а затем уже работал над окружающим их пейзажем, часто импровизируя в процессе. Рассмотреть все исследованные работы в большом увеличении или под рентгеном можно на специальном сайте.

Другие музеи тоже специально готовили свои картины к выставке. Например, мадридский Прадо отреставрировал принадлежащее ему полотно «Триумф смерти», удалив с него многолетний слой желтого лака, которым еще в XX веке картины покрывали для лучшей сохранности. Музей Майер ван ден Берг в Антверпене тоже отреставрировал картину Брейгеля Старшего из своего собрания — «Безумную Грету», изображающую одноименного персонажа фламандского фольклора, вооруженную мечом и сковородой женщину, штурмующую ад.

«Триумф смерти» Питера Брейгеля Старшего, музей Прадо, Мадрид
Museo Nacional del Prado

.

Метки: выставка, музеи, Вена, АЯТ(искусство)
 
19:05 07.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Рисунки на перьях

Кристи Мисайлдин (Krystle Missildine) — художница-самоучка из Праттвилл, Алабама, США, которая очень любит искусство и животных. Художеством вплотную женщина начала заниматься в 2011 году, после рождения дочери и выхода в декрет. Одной из ее одержимостей в рисовании стали работы, которые она выполняет на птичьих перьях. Она считает, и мы не можем с этим не согласиться, что нанесение красок на такую столь деликатную и хрупкую поверхность является одновременно интересным и трудным занятием:
Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

"Прежде чем наносить краску на такой небольшой и тонкий холст, я должна убедиться в том, что мои мазки будут нежны и точны. Я использую акриловые краски и крошечные кисти, перья, с которыми я работаю, выпали естественным путем, многие из них были подарены мне владельцами попугаев, а некоторые я получила от своих собственных пяти птиц", — рассказала художница.
Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Портреты животных на перьях птиц  (12 фото)

Метки: АЯТ
 
20:26 04.10.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Янтарная комната

«Восьмое чудо света» — Янтарная комната или «кабинет» — уникальный и единственный в истории пример использования янтарного материала в монументальной работе. Как известно, янтарь очень капризен и неустойчив, его «парадный вид» слишком зависит от температуры и влажности. Сразу же после установки этого янтарного чуда вначале в Зимнем дворце для обслуживания янтарного кабинета был выделен специальный смотритель. Три крупные реставрации были проведены только в одном 19 веке, а уж мелких ремонтов никто не считал.

Янтарь – это слезы сестер Гелиад по поводу смерти брата – Фаэтона, легенда о котором известна своей аллегорией дерзости и гордыни. Боги, сжалившись над безутешными сестрами, превратили их слезы в капли янтаря. С конца 17 века это «золото» Балтики активно использовалось в качестве драгоценного материала, с ним напрямую связан и расцвет прусского искусства этого периода. Янтарным «центром» в Европе владели курфюсты Брандербургские.

Что именно собирался делать Петр с этим янтарным чудом точно неизвестно, но лишь при Елизавете янтарный кабинет приказано обустроить в Зимнем дворце. Так в 1746 году появляется комната для официальных приемов в Зимнем, а с 1755 она перебирается в новый Большой дворец в Царском Селе. Интересно, что переносят янтарные панели кабинета в бережно упакованных ящиках вручную из Петербурга за город. Однако выделенный для устройства янтарной комнаты зал оказался слишком большим по размерам, потому комната дополнительно украшается резьбой и зеркалами, а места «нехватки» затягиваются холстами и расписываются «под янтарь».

Интерьер янтарной комнаты в основном сведен к показу янтаря, к материальной составляющей, поскольку никаких содержательных мотивов в нем особо нет. Интересно, что в обустройстве этого шедевра европейского интерьера принимало участие семь монархов, хотя испокон века величественность и великолепие имперских палат напрямую связывалось с золотом, а уж никак не с янтарем — капризным, ненадежным, трудоемким и «хлопотным» материалом.

К 300-летию Санкт-Петербурга всему миру предстала «обновленная», воссозданная за 24 года по чертежам и эскизам Янтарная комната, она располагается в Царскосельском дворце Екатерины.
Янтарная комната. «Восьмое чудо света» - Янтарная комната или «кабинет» - уникальный и единственный ...
.
Метки: искусство, АЯТ, янтарная комната
 
18:15 26.09.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Проект "Серебряный взгляд" — все восхитительные изгибы женского тела

Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее время к ним присоединились фотографы. В своих работах они пытаются соединить оригинальность видения с красотой, пластикой и изяществом. На этом поприще отличительно зарекомендовал себя итальянский фотограф Гвидо Арджентини.

В его проекте «Серебряный взгляд» – все восхитительные изгибы женского тела. При этом девушки покрыты специальной краской серебряного цвета, отчего кажется, что фотограф снимал не живых людей, а прекрасных статуй-богинь.
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ...
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 2
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 3
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 4
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 5
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 6
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 7
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 8
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 9
Веками художники пытались передать красоту человеческого тела различными способами. В настоящее ... - 10

Метки: фотоработы, женское тело, АЯТ(искусство)
 
15:43 24.09.2018
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Дважды вдовец, гениальный пейзажист, автор самой известной конфетной обёртки. Иван Шишкин

"Корабельная роща", 1898г.

"Корабельная роща", 1898г.

Творчество Ивана Шишкина сравнивают с музыкой Чайковского. Понятные и мощные картины излучают позитивную энергетику. Его полотна заливает безмятежный свет. Художник дарит зрителю радость. Но мало кто знает, какие испытания выпали на его долю. Шишкин писал солнце даже в самые тёмные минуты своей жизни.


Дела семейные

Иван Шишкин родился в 1832 году в купеческой семье. Их династии принадлежало первое промышленное предприятие города Елабуга. Завод занимался отливкой колоколов. Его отец Иван Васильевич торговал зерном. Старожилы рассказывали, что старший Шишкин был честным и неподкупным человеком. Его несколько раз избирали городским старостой. В семье купца детей было шестеро, но художественно одарён был только сын Ваня. И этот мальчик прославил род Шишкиных на весь мир.

"Парк в Павловске", 1889г.

"Парк в Павловске", 1889г.


Отцу было важно дать детям хорошее образование. Младшего Ивана отправили учиться в гимназию в Казань. В 16 лет юноша приехал в отчий дом на каникулы и заявил, что купцом он быть не хочет. Иван Шишкин мечтал стать художником. Семью эта новость не обрадовала, ведь к детскому увлечению рисованием никто не относился всерьёз. Папа позволил сыну продолжать заниматься живописью, но так же потребовал участия в делах семейных. Отец давал ему поручения, надеясь, что сын изменит решение. Шишкин-старший отправлял Ивана торговать зерном в соседние города. Начинающий художник и купец поневоле возвращался из путешествий с множеством этюдов. Но в финансовом отношении эти поездки не были успешными. Молодой человек приезжал с убытками! Его всюду обвешивали и обманывали, не было у юноши коммерческой жилки. Семья с этим фактом нехотя смирилась. Когда Ивану исполнилось 20 лет, родители отпустили его учиться.

"Отдых в лесу", 1865г.

"Отдых в лесу", 1865г.


Неприбыльный жанр. Упрямство

Он стал художником наперекор судьбе. Мало людей его поддерживали. Но молодой человек был одержим искусством. В 1856 году, успешно окончив училище ваяния и зодчества в Москве, поступил в главную кузницу творцов — императорскую академию художеств. Иван Шишкин больше всего любил работать с пейзажами. Но этот жанр считался неприбыльным. Преподаватели предлагали ему попробовать свои силы в написании портретов или исторических сюжетов. Но Иван Шишкин был упрям. И снова не думал о выгоде.

Он стремился изобразить природу во всем великолепии, и у него уже появился свой стиль и почерк. Но главное отличие Шишкина-пейзажиста в том, какую природу он пишет. До него художники охотно изображали эффектную и прихотливую природу Италии, а вот показать лицо русского леса, простор равнин и гладь могучих рек решается именно Иван Шишкин.

Студенческие приятели вспоминали, что Иван держался в стороне от шумных компаний, неловко, словно медведь, обращался с противоположным полом. Неделями питался хлебом и патокой и ходил в старых отцовских сапогах. Зато на пленэре за день нарабатывал очень много этюдов. Другие и за неделю не могли написать такое количество. В ученическую пору у него было много завистников. По окончанию учёбы Шишкин получил золотую медаль, и семья изменила мнение о его страсти к рисованию.

"Болото. Полесье", 1890г.

"Болото. Полесье", 1890г.


Успех

Карьера Шишкина развивалась стремительно: выставки офортов во Франции, персональная экспозиция в Германии, звание академика художеств, орден и всеобщее признание. В 34 года у Ивана Шишкина уже появился первый ученик — Федор Васильев. Молодого живописца Шишкин научит всему что знает сам. И передаст ему все тонкости и находки.

Живопись Шишкина шла вразрез с официально принятым искусством. Но картины передвижников вызывали огромный интерес у публики. Заинтересовался и Фёдор Третьяков. Коллекционер приобрёл работы художника для своей новой галереи. У Шишкина каждое дерево неповторимо. Конечно, это не скрылось от взгляда Третьякова.

"Полден. В окрестностях Москвы", 1869г.

"Полден. В окрестностях Москвы", 1869г.


Потери

На этюды Шишкин любил ездить, когда солнце в зените, а друзья за это называли его «художником полудня». Он женился на сестре своего ученика — Евгении Васильевой. Семейное счастье заливало его жизнь как солнце на картине «Полдень. В окрестностях Москвы». Но в безмятежной радости Шишкину выпало жить недолго. Через пять с половиной лет наступит череда горьких утрат. Судьба начнёт проверку великого русского художника на прочность.

"Перед зеркалом. За чтением письма",1870 г. На полотне изображена первая жена художника Евгения Васильева (Шишкина)

"Перед зеркалом. За чтением письма",1870 г. На полотне изображена первая жена художника Евгения Васильева (Шишкина)


Иван Шишкин потеряет сначала отца, потом от туберкулёза погибнут гениальный ученик Фёдор Васильев и любимая жена Евгения, а вслед за ними уйдут двое сыновей. Глава семейства останется один с дочкой Лидочкой на руках. Ему всего 40 лет. Второй брак с ученицей академии художеств Ольгой Лагодой тоже обернётся несчастьем. Она родит ему дочь Ксению, а через полтора года умрёт. Вдовец погрузится в работу.

"Рожь", 1878г.

"Рожь", 1878г.


В это трагическое время он продолжит писать солнечные пейзажи, словно наперекор судьбе. Одна из работ этого времени — знаменитая «Рожь». Но особую славу ему принесла картина «Утро в сосновом бору». Вписать в привычный лесной пейзаж медвежью семью Шишкину предложил друг Пётр Савицкий. Её растиражировали. Печатали на обложках журналов и календарей. Репродукции и копии украшали почти каждый дом. Ещё при жизни художника московская кондитерская фабрика запустила в продажу шоколадные конфеты «Мишка косолапый».

"Утро в сосновом бору", 1889г.

"Утро в сосновом бору", 1889г.


Шишкин будет работать над пейзажами до последнего вздоха. 8 (20) марта 1898 года он умрёт за мольбертом, погружённый в создание новой картины.


Источник: https://kulturologia.ru/blogs/200818/40186/

"Корабельная роща", 1898г.

"Корабельная роща", 1898г.

Творчество Ивана Шишкина сравнивают с музыкой Чайковского. Понятные и мощные картины излучают позитивную энергетику. Его полотна заливает безмятежный свет. Художник дарит зрителю радость. Но мало кто знает, какие испытания выпали на его долю. Шишкин писал солнце даже в самые тёмные минуты своей жизни.


Дела семейные

Иван Шишкин родился в 1832 году в купеческой семье. Их династии принадлежало первое промышленное предприятие города Елабуга. Завод занимался отливкой колоколов. Его отец Иван Васильевич торговал зерном. Старожилы рассказывали, что старший Шишкин был честным и неподкупным человеком. Его несколько раз избирали городским старостой. В семье купца детей было шестеро, но художественно одарён был только сын Ваня. И этот мальчик прославил род Шишкиных на весь мир.

"Парк в Павловске", 1889г.

"Парк в Павловске", 1889г.


Отцу было важно дать детям хорошее образование. Младшего Ивана отправили учиться в гимназию в Казань. В 16 лет юноша приехал в отчий дом на каникулы и заявил, что купцом он быть не хочет. Иван Шишкин мечтал стать художником. Семью эта новость не обрадовала, ведь к детскому увлечению рисованием никто не относился всерьёз. Папа позволил сыну продолжать заниматься живописью, но так же потребовал участия в делах семейных. Отец давал ему поручения, надеясь, что сын изменит решение. Шишкин-старший отправлял Ивана торговать зерном в соседние города. Начинающий художник и купец поневоле возвращался из путешествий с множеством этюдов. Но в финансовом отношении эти поездки не были успешными. Молодой человек приезжал с убытками! Его всюду обвешивали и обманывали, не было у юноши коммерческой жилки. Семья с этим фактом нехотя смирилась. Когда Ивану исполнилось 20 лет, родители отпустили его учиться.

"Отдых в лесу", 1865г.

"Отдых в лесу", 1865г.


Неприбыльный жанр. Упрямство

Он стал художником наперекор судьбе. Мало людей его поддерживали. Но молодой человек был одержим искусством. В 1856 году, успешно окончив училище ваяния и зодчества в Москве, поступил в главную кузницу творцов — императорскую академию художеств. Иван Шишкин больше всего любил работать с пейзажами. Но этот жанр считался неприбыльным. Преподаватели предлагали ему попробовать свои силы в написании портретов или исторических сюжетов. Но Иван Шишкин был упрям. И снова не думал о выгоде.

Он стремился изобразить природу во всем великолепии, и у него уже появился свой стиль и почерк. Но главное отличие Шишкина-пейзажиста в том, какую природу он пишет. До него художники охотно изображали эффектную и прихотливую природу Италии, а вот показать лицо русского леса, простор равнин и гладь могучих рек решается именно Иван Шишкин.

Студенческие приятели вспоминали, что Иван держался в стороне от шумных компаний, неловко, словно медведь, обращался с противоположным полом. Неделями питался хлебом и патокой и ходил в старых отцовских сапогах. Зато на пленэре за день нарабатывал очень много этюдов. Другие и за неделю не могли написать такое количество. В ученическую пору у него было много завистников. По окончанию учёбы Шишкин получил золотую медаль, и семья изменила мнение о его страсти к рисованию.

"Болото. Полесье", 1890г.

"Болото. Полесье", 1890г.


Успех

Карьера Шишкина развивалась стремительно: выставки офортов во Франции, персональная экспозиция в Германии, звание академика художеств, орден и всеобщее признание. В 34 года у Ивана Шишкина уже появился первый ученик — Федор Васильев. Молодого живописца Шишкин научит всему что знает сам. И передаст ему все тонкости и находки.

Живопись Шишкина шла вразрез с официально принятым искусством. Но картины передвижников вызывали огромный интерес у публики. Заинтересовался и Фёдор Третьяков. Коллекционер приобрёл работы художника для своей новой галереи. У Шишкина каждое дерево неповторимо. Конечно, это не скрылось от взгляда Третьякова.

"Полден. В окрестностях Москвы", 1869г.

"Полден. В окрестностях Москвы", 1869г.


Потери

На этюды Шишкин любил ездить, когда солнце в зените, а друзья за это называли его «художником полудня». Он женился на сестре своего ученика — Евгении Васильевой. Семейное счастье заливало его жизнь как солнце на картине «Полдень. В окрестностях Москвы». Но в безмятежной радости Шишкину выпало жить недолго. Через пять с половиной лет наступит череда горьких утрат. Судьба начнёт проверку великого русского художника на прочность.

"Перед зеркалом. За чтением письма",1870 г. На полотне изображена первая жена художника Евгения Васильева (Шишкина)

"Перед зеркалом. За чтением письма",1870 г. На полотне изображена первая жена художника Евгения Васильева (Шишкина)


Иван Шишкин потеряет сначала отца, потом от туберкулёза погибнут гениальный ученик Фёдор Васильев и любимая жена Евгения, а вслед за ними уйдут двое сыновей. Глава семейства останется один с дочкой Лидочкой на руках. Ему всего 40 лет. Второй брак с ученицей академии художеств Ольгой Лагодой тоже обернётся несчастьем. Она родит ему дочь Ксению, а через полтора года умрёт. Вдовец погрузится в работу.

"Рожь", 1878г.

"Рожь", 1878г.


В это трагическое время он продолжит писать солнечные пейзажи, словно наперекор судьбе. Одна из работ этого времени — знаменитая «Рожь». Но особую славу ему принесла картина «Утро в сосновом бору». Вписать в привычный лесной пейзаж медвежью семью Шишкину предложил друг Пётр Савицкий. Её растиражировали. Печатали на обложках журналов и календарей. Репродукции и копии украшали почти каждый дом. Ещё при жизни художника московская кондитерская фабрика запустила в продажу шоколадные конфеты «Мишка косолапый».

"Утро в сосновом бору", 1889г.

"Утро в сосновом бору", 1889г.


Шишкин будет работать над пейзажами до последнего вздоха. 8 (20) марта 1898 года он умрёт за мольбертом, погружённый в создание новой картины.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/200818/40186/

 
15:31 24.09.2018
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Живые портреты Кристиана Сейболда — художника, биография которого затерялась в глубине веков

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагмент. Автор: Кристиан Сейболд.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагмент. Автор: Кристиан Сейболд.

К сожалению, история распорядилась так, что о жизни некоторых художников до нашего времени практически не дошло никаких сведений. Зато о них красноречиво свидетельствуют их живописные шедевры, написанные много веков тому назад. И нужно заметить, что они еще будут говорить о своих создателях не одно грядущее столетие. Один из таких чудо-мастеров жил и творил в первой половине XVIII века. А имя его — Кристиан Сейболд.


О художнике


Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.


Художник Кристиан Сейболд (Christian Seybold) (1690-1768) — австрийский портретист немецкого происхождения, о детстве и юности которого практически ничего не известно. Историки достоверно констатируют лишь то, что его отец был родом из немецкого города Оберурзеля, что в прусской провинции..., да и то, что Кристиан был одним из 11 детей большого семейства.

Портрет мальчика. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мальчика. Автор: Кристиан Сейболд.


Юношеские годы художник провел в городе Зоден, где предположительно и получил начальное художественное образование, хотя по сведениям некоторых источников Кристиан был самоучкой. В 20-летнем возрасте юноша переехав в Вену и женился, но,увы, не сложилось его семейное счастье. Не прошло и двух лет как умерла любимая супруга, а женившись еще раз, художник похоронил и вторую жену, которая умерла при родах вместе с ребенком.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.


Все свое творчество Кристиан посвятил написанию удивительно реалистичных портретов. В 52-летнем возрасте художник был назначен придворным живописцем короля Августа III и уехал жить в Дрезден. Пройдет еще семь лет, и художника пригласят в Вену на должность придворного живописца при дворе эрцгерцогини Австрии, королевы Венгрии и супруги Франца I Стефана Лотарингского — Марии Терезии, заботившейся о процветании различных наук и искусств. К слову, во время своего правления она учредила несколько университетов и академий и положила начало образованию простого народа. В том же году Сейболду была оказана честь стать членом Венской Академии художеств.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.


Потрясающая манера написания натуралистических портретов Кристиана, была выработана художником под влиянием живописцев того времени – портретистов Бальтазара Деннера и Яна Купецкого. Она полностью отличалась от манеры, в которой работали придворные художники тех времен, явно идеализировавшие тех, кто щедро платил за свои изображения художникам.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе»


«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Автор: Кристиан Сейболд.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Автор: Кристиан Сейболд.


Одним из самых впечатляющих женских портретов в мировой живописи кисти Сейболда является полотно «Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Вглядевшись в глаза этой женщины, видим сколько в них живости и интеллекта! По всей вероятности она была очень красива, приятна и умна в молодые годы.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагменты. Автор: Кристиан Сейболд.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагменты. Автор: Кристиан Сейболд.


Из-за тщательно прописанных мелких деталей, таких как волосы и морщины, считается, что художник использовал в своей работе увеличительное стекло.

Творческое наследие художника.


Портрет пожилой дамы. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет пожилой дамы. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет пожилой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет пожилой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет старой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет старой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.


В наши дни работы художника находятся в коллекциях Лувра, Галереи Бельведер в Вене, Дрезденской галереи, национального музея в Нюрнберге, государственного музея Майнца, музея изобразительных искусств Лихтенштейна, а также в Эрмитаже Санкт-Петербурга.

Автопортрет в старости. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет в старости. Автор: Кристиан Сейболд.


И что примечательно, картины Кристиана Сейболда в Эрмитаж попали благодаря прусскому дипломату и арт-дилеру, торговавшему шелком и фарфором — Яну Гоцковскому, который продал Екатерине Великой 317 картин европейских художников, положивших начало коллекции Эрмитажа. Но, к сожалению, большая часть из них была утеряна или вывезена в качестве военных трофеев.


Источник: https://kulturologia.ru/blogs/290818/40277

Метки: портреты забытого в веках художника
 
15:27 24.09.2018
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Живые портреты Кристиана Сейболда — художника, биография которого затерялась в глубине веков

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагмент. Автор: Кристиан Сейболд.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагмент. Автор: Кристиан Сейболд.

К сожалению, история распорядилась так, что о жизни некоторых художников до нашего времени практически не дошло никаких сведений. Зато о них красноречиво свидетельствуют их живописные шедевры, написанные много веков тому назад. И нужно заметить, что они еще будут говорить о своих создателях не одно грядущее столетие. Один из таких чудо-мастеров жил и творил в первой половине XVIII века. А имя его — Кристиан Сейболд.


О художнике


Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.


Художник Кристиан Сейболд (Christian Seybold) (1690-1768) — австрийский портретист немецкого происхождения, о детстве и юности которого практически ничего не известно. Историки достоверно констатируют лишь то, что его отец был родом из немецкого города Оберурзеля, что в прусской провинции..., да и то, что Кристиан был одним из 11 детей большого семейства.

Портрет мальчика. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мальчика. Автор: Кристиан Сейболд.


Юношеские годы художник провел в городе Зоден, где предположительно и получил начальное художественное образование, хотя по сведениям некоторых источников Кристиан был самоучкой. В 20-летнем возрасте юноша переехав в Вену и женился, но,увы, не сложилось его семейное счастье. Не прошло и двух лет как умерла любимая супруга, а женившись еще раз, художник похоронил и вторую жену, которая умерла при родах вместе с ребенком.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.


Все свое творчество Кристиан посвятил написанию удивительно реалистичных портретов. В 52-летнем возрасте художник был назначен придворным живописцем короля Августа III и уехал жить в Дрезден. Пройдет еще семь лет, и художника пригласят в Вену на должность придворного живописца при дворе эрцгерцогини Австрии, королевы Венгрии и супруги Франца I Стефана Лотарингского — Марии Терезии, заботившейся о процветании различных наук и искусств. К слову, во время своего правления она учредила несколько университетов и академий и положила начало образованию простого народа. В том же году Сейболду была оказана честь стать членом Венской Академии художеств.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет. Автор: Кристиан Сейболд.


Потрясающая манера написания натуралистических портретов Кристиана, была выработана художником под влиянием живописцев того времени – портретистов Бальтазара Деннера и Яна Купецкого. Она полностью отличалась от манеры, в которой работали придворные художники тех времен, явно идеализировавшие тех, кто щедро платил за свои изображения художникам.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе»


«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Автор: Кристиан Сейболд.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Автор: Кристиан Сейболд.


Одним из самых впечатляющих женских портретов в мировой живописи кисти Сейболда является полотно «Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Вглядевшись в глаза этой женщины, видим сколько в них живости и интеллекта! По всей вероятности она была очень красива, приятна и умна в молодые годы.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагменты. Автор: Кристиан Сейболд.

«Портрет пожилой женщины в зеленом шарфе». Фрагменты. Автор: Кристиан Сейболд.


Из-за тщательно прописанных мелких деталей, таких как волосы и морщины, считается, что художник использовал в своей работе увеличительное стекло.

Творческое наследие художника.


Портрет пожилой дамы. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет пожилой дамы. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет девочки. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет пожилой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет пожилой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет старой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет старой женщины. Автор: Кристиан Сейболд.


Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.

Портрет мужчины. Автор: Кристиан Сейболд.


В наши дни работы художника находятся в коллекциях Лувра, Галереи Бельведер в Вене, Дрезденской галереи, национального музея в Нюрнберге, государственного музея Майнца, музея изобразительных искусств Лихтенштейна, а также в Эрмитаже Санкт-Петербурга.

Автопортрет в старости. Автор: Кристиан Сейболд.

Автопортрет в старости. Автор: Кристиан Сейболд.


И что примечательно, картины Кристиана Сейболда в Эрмитаж попали благодаря прусскому дипломату и арт-дилеру, торговавшему шелком и фарфором — Яну Гоцковскому, который продал Екатерине Великой 317 картин европейских художников, положивших начало коллекции Эрмитажа. Но, к сожалению, большая часть из них была утеряна или вывезена в качестве военных трофеев.


Источник: https://kulturologia.ru/blogs/290818/40277

 
08:32 24.09.2018
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Секреты Третьяковки: Картины со скандальными историями, наделавшие немало шума при своем создании Источник:

Залы Третьяковской галереи, хранящие секреты своих обитательниц.

Залы Третьяковской галереи, хранящие секреты своих обитательниц.

Общественный интерес к скандальным историям в какой-либо сфере жизни во все времена был чрезмерно велик. Увы, так устроены люди. Там где пахнет жареным — туда все внимание. Не обошли стороной такие истории и русскую живопись конца 19 и начала 20 века. По крайней мере несколько случаев достаточно громко погремели на всю Москву. Однако даже самые грандиозные скандалы со временем утихали, а полотна, спровоцировавшие их, продолжали жить, да и до сих пор живут своей жизнью, украшают стены галереи и привлекают публику своими пикантными историями.


Третьяковка и по сей день хранит немало шедевров русской живописи, истории создания которых в свое время вызвали громкие скандалы и разбирательства.

Обнаженное искусство


Фаина Шевченко - актриса. / Русский художник Борис Кустодиев.

Фаина Шевченко — актриса. / Русский художник Борис Кустодиев.


В центр этого скандала попал известный русский художник Борис Кустодиев и его модель, актриса Московского художественного театра Фаина Шевченко. С нее то и писал художник в 1915 году пышнотелую оголенную диву, которая стала героиней полотна «Красавица».

 Фаина Шевченко - актриса Московского художественного театра.

Фаина Шевченко — актриса Московского художественного театра.


Живописцу пришлось долго уговаривать 21-летнюю Фаину позировать в раздетом виде. «Мне такой позор не нужен! Тысячи людей увидят меня голой!» — возмущенно парировала уговоры Фаина. Однако, немного посопротивлявшись, склонная к авантюрам актриса, предстала перед художником в обнаженном виде. А позже и перед всем миром...Так как это полотно приобрело широкую популярность и не только в России. А если ко всему еще и учесть, что из него было сделано несколько авторских копий, то шансов остаться незамеченной у Фаины не было никаких.

«Красавица». (1915 год). Автор: Борис Кустодиев.

«Красавица». (1915 год). Автор: Борис Кустодиев.


Но обо всем по-порядку... Художник, боясь, чтобы модель не передумала, работал над картиной с раннего утра и до поздней ночи. Он тщательно пытался передать атмосферу достатка в купеческом доме, где и «атласное одеяло и пуховые подушки в кружевных наволочках, и богатый расписной сундук и обои в цветочек»... все вместе отражало «народный идеал» о счастье. А сам образ «русской Венеры с пшеничными волосами, алыми губками-вишенками, щеками-румяными яблочками, лебединой шеей и холеным гладким телом» — традиционные вкусы русской натуры. Одним словом Кустодиев попытался передать идеал женщины, олицетворяющий и божественную красоту, и эротику; а также идеал материального достатка.

«Красавица». Фрагмент. Автор: Борис Кустодиев.

«Красавица». Фрагмент. Автор: Борис Кустодиев.


Когда полотно предстало перед московской публикой, начался небывалый ажиотаж, разделивший общественность города на два лагеря: одни — объявили её «пошлятиной», не соответствующей духу времени (в моду как раз вошли «плоскогрудые анемичные девицы»), а иные объявили шедевром, который станет первым номером в русской живописи. И как показало время — вторые оказались правы.

Фаина Шевченко - актриса, лауреат двух Сталинских премий.

Фаина Шевченко — актриса, лауреат двух Сталинских премий.


Но самый шокирующий эффект это событие произвело на режиссёра МХАТа Константина Станиславского, где служила Фаина Шевченко. Он пришел в ужас от того, что актриса его театра оказалась замешанной в таком «мещанском» скандале, да к тому же в таком виде.

Москва еще долго гудела, перебирая косточки и Кустодиеву и актрисе, но народная любовь к весёлой и талантливой Фаине позволила потихоньку забыть ее «грех» в глазах общественности. А слава пышнотелой «Красавицы» не помешала ей еще длительное время служить в театре и получить две Сталинские премии!



Без разрешения


Художник Василий Пукирев. / Купец Сергей Варенцов.

Художник Василий Пукирев. / Купец Сергей Варенцов.


В эпицентре этой нелицеприятной ситуации оказался живописец Василий Пукирев — создатель нашумевшего полотна «Неравный брак». В 1862 году, сразу же после написания, картина была приобретена Павлом Третьяковым и выставлена на суд публики в его галерее, произведя сразу же небывалый фурор и вместе с тем крупную ссору двух друзей. Один из них был сам художник, а другой — купец Сергей Варенцов, который увидев свой образ на полотне, пришел в ярость. Купец предъявил претензии художнику в том, что тот без спросу изобразил его в роли отвергнутого возлюбленного, а именно шафера на втором плане, стоящем за невестой.

А дело было в том, что в основу сюжета действительно легла душещипательная история несчастной любви Сергея Михайловича, которой он по-дружески поделился когда-то с художником. Его любимую девушку родители отдали в жены более богатому, но пожилому претенденту. И это купца чрезмерно задело за живое и долго угнетало. А впечатлительный Пукирев воспользовался этим рассказом для сюжета своей работы, изобразив новоявленного жениха пристарелым генералом, а Сергея Михайловича — шафером.

«Неравный брак». (1962 год). Автор: Василий Пукирев.

«Неравный брак». (1962 год). Автор: Василий Пукирев.


Соответственно Варенцов, увидев свой образ на полотне закатил художнику скандал. И Пукиреву, дабы его замять, пришлось немедля дописать элегантную бородку шаферу. Однако после этого образ шафера начал смахивать на самого художника и тут-то все припомнили историю о несчастной любви самого Пукирева: в юности и его любимую отдали замуж за более богатого и перспективного.

«Неравный брак». Фрагменты. (1962 год). Автор: Василий Пукирев.

«Неравный брак». Фрагменты. (1962 год). Автор: Василий Пукирев.


В действительности объективных причин для враждебной неприязни к художнику у купца Варенцова было две: первая — Варенцов собрался жениться на другой избраннице и эта история могла его поставить в неловкое положение и вторая — уж очень злободневным оказался сюжет этого полотна.

В начале 1961 года Священным синодом был издан указ, осуждающий бракосочетания между стариками-женихами и девочками-невестами, однако мало кто принял его во внимание и такие браки по-прежнему продолжались заключаться. А после выхода в свет картины «не один престарелый генерал, увидав «Неравный брак», взял назад своё намерение жениться на молодой особе», — так описывал впечатления публики от произведения Пукирева Илья Репин.



Охотник-рогоносец


Не менее популярна по скандальности и картина Василия Перова — «Охотники на привале» — самая знаменитая из работ художника, хранящаяся со дня своего создания в Третьяковской галерее.

Герои полотна — реальные жители Москвы, с которыми художник дружил долгое время.
Дмитрий Кувшинников, Василий Бессонов и Николай Нагорный — вот эта троица, проставленная на века художником.

 «Охотники на привале». (1871 год.) Автор: Василий Перов.

«Охотники на привале». (1871 год.) Автор: Василий Перов.


Так, известному московскому доктору Кувшинникову досталась главный образ «Бывалого», который эмоционально описывает приятелям небывалый случай из своей охотничьей практики. «Один горячо и зазнамо врёт, другой слушает и из всех сил верит, а третий ничему не верит, прилёг тут же и смеётся... Что за прелесть! — так описывал творение Перова Фёдор Достоевский. - Мы ведь почти слышим и знаем весь оборот его вранья».

Читайте также: «Охотники на привале»: секреты самой известной картины Перова.

Доктор Кувшинников.

Доктор Кувшинников.


И нужно заметить, что доктор и в жизни любил приврать, прихвастнуть и покрасоваться перед друзьями. Москвичи, приходя в Третьяковку посмотреть на шедевр Перова, еще долго сравнивали Кувшинникова с образом «бывалого» и потешались над ним. И вся эта история оказалась бы совсем невинной если бы не одно «но».

Портрет С.П. Кувшинниковой.

Портрет С. П. Кувшинниковой.


Спустя годы в свет вышел рассказ Антона Чехова «Попрыгунья», и вся Москва вновь заговорила о Кувшинникове, теперь уже как о рогоносце. Горожане без особого труда узнали в главной героине эпатажную жену доктора — Софью Петровну. Она вела богемный образ жизни, изменяя мужу с художником Исааком Левитаном, при том, не сильно заботясь о своей репутации.

Софья Кувшинникова. / Исаак Левитан.

Софья Кувшинникова. / Исаак Левитан.


Однако на писателя Чехова обрушилась лавина скандальных обвинений, и ему ничего не оставалось, как переделать первоначальную версию рассказа, изменив некоторые детали, дабы сходство не было таким заметным. Но было уже поздно, Кувшинникову до конца дней пришлось носить ярлык рогоносца. Не на шутку обиженная Софья Петровна прекратила общение с писателем, а Исаак Левитан даже пригрозил дуэлью. Художник был оскорблен не ролью любовника в этой истории, а тем, что явился прототипом посредственного художника Рябовского, с чем он никак не мог согласиться в отношении себя.

Мало-помалу история утихла. До суда дело не дошло. А не то, об этой истории узнала бы не то что вся Москва, а вся империя...

 
08:30 24.09.2018
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Секреты Третьяковки: Картины со скандальными историями, наделавшие немало шума при своем создании Источник:

Залы Третьяковской галереи, хранящие секреты своих обитательниц.

Залы Третьяковской галереи, хранящие секреты своих обитательниц.

Общественный интерес к скандальным историям в какой-либо сфере жизни во все времена был чрезмерно велик. Увы, так устроены люди. Там где пахнет жареным — туда все внимание. Не обошли стороной такие истории и русскую живопись конца 19 и начала 20 века. По крайней мере несколько случаев достаточно громко погремели на всю Москву. Однако даже самые грандиозные скандалы со временем утихали, а полотна, спровоцировавшие их, продолжали жить, да и до сих пор живут своей жизнью, украшают стены галереи и привлекают публику своими пикантными историями.


Третьяковка и по сей день хранит немало шедевров русской живописи, истории создания которых в свое время вызвали громкие скандалы и разбирательства.

Обнаженное искусство


Фаина Шевченко - актриса. / Русский художник Борис Кустодиев.

Фаина Шевченко — актриса. / Русский художник Борис Кустодиев.


В центр этого скандала попал известный русский художник Борис Кустодиев и его модель, актриса Московского художественного театра Фаина Шевченко. С нее то и писал художник в 1915 году пышнотелую оголенную диву, которая стала героиней полотна «Красавица».

 Фаина Шевченко - актриса Московского художественного театра.

Фаина Шевченко — актриса Московского художественного театра.


Живописцу пришлось долго уговаривать 21-летнюю Фаину позировать в раздетом виде. «Мне такой позор не нужен! Тысячи людей увидят меня голой!» — возмущенно парировала уговоры Фаина. Однако, немного посопротивлявшись, склонная к авантюрам актриса, предстала перед художником в обнаженном виде. А позже и перед всем миром...Так как это полотно приобрело широкую популярность и не только в России. А если ко всему еще и учесть, что из него было сделано несколько авторских копий, то шансов остаться незамеченной у Фаины не было никаких.

«Красавица». (1915 год). Автор: Борис Кустодиев.

«Красавица». (1915 год). Автор: Борис Кустодиев.


Но обо всем по-порядку... Художник, боясь, чтобы модель не передумала, работал над картиной с раннего утра и до поздней ночи. Он тщательно пытался передать атмосферу достатка в купеческом доме, где и «атласное одеяло и пуховые подушки в кружевных наволочках, и богатый расписной сундук и обои в цветочек»... все вместе отражало «народный идеал» о счастье. А сам образ «русской Венеры с пшеничными волосами, алыми губками-вишенками, щеками-румяными яблочками, лебединой шеей и холеным гладким телом» — традиционные вкусы русской натуры. Одним словом Кустодиев попытался передать идеал женщины, олицетворяющий и божественную красоту, и эротику; а также идеал материального достатка.

«Красавица». Фрагмент. Автор: Борис Кустодиев.

«Красавица». Фрагмент. Автор: Борис Кустодиев.


Когда полотно предстало перед московской публикой, начался небывалый ажиотаж, разделивший общественность города на два лагеря: одни — объявили её «пошлятиной», не соответствующей духу времени (в моду как раз вошли «плоскогрудые анемичные девицы»), а иные объявили шедевром, который станет первым номером в русской живописи. И как показало время — вторые оказались правы.

Фаина Шевченко - актриса, лауреат двух Сталинских премий.

Фаина Шевченко — актриса, лауреат двух Сталинских премий.


Но самый шокирующий эффект это событие произвело на режиссёра МХАТа Константина Станиславского, где служила Фаина Шевченко. Он пришел в ужас от того, что актриса его театра оказалась замешанной в таком «мещанском» скандале, да к тому же в таком виде.

Москва еще долго гудела, перебирая косточки и Кустодиеву и актрисе, но народная любовь к весёлой и талантливой Фаине позволила потихоньку забыть ее «грех» в глазах общественности. А слава пышнотелой «Красавицы» не помешала ей еще длительное время служить в театре и получить две Сталинские премии!



Без разрешения


Художник Василий Пукирев. / Купец Сергей Варенцов.

Художник Василий Пукирев. / Купец Сергей Варенцов.


В эпицентре этой нелицеприятной ситуации оказался живописец Василий Пукирев — создатель нашумевшего полотна «Неравный брак». В 1862 году, сразу же после написания, картина была приобретена Павлом Третьяковым и выставлена на суд публики в его галерее, произведя сразу же небывалый фурор и вместе с тем крупную ссору двух друзей. Один из них был сам художник, а другой — купец Сергей Варенцов, который увидев свой образ на полотне, пришел в ярость. Купец предъявил претензии художнику в том, что тот без спросу изобразил его в роли отвергнутого возлюбленного, а именно шафера на втором плане, стоящем за невестой.

А дело было в том, что в основу сюжета действительно легла душещипательная история несчастной любви Сергея Михайловича, которой он по-дружески поделился когда-то с художником. Его любимую девушку родители отдали в жены более богатому, но пожилому претенденту. И это купца чрезмерно задело за живое и долго угнетало. А впечатлительный Пукирев воспользовался этим рассказом для сюжета своей работы, изобразив новоявленного жениха пристарелым генералом, а Сергея Михайловича — шафером.

«Неравный брак». (1962 год). Автор: Василий Пукирев.

«Неравный брак». (1962 год). Автор: Василий Пукирев.


Соответственно Варенцов, увидев свой образ на полотне закатил художнику скандал. И Пукиреву, дабы его замять, пришлось немедля дописать элегантную бородку шаферу. Однако после этого образ шафера начал смахивать на самого художника и тут-то все припомнили историю о несчастной любви самого Пукирева: в юности и его любимую отдали замуж за более богатого и перспективного.

«Неравный брак». Фрагменты. (1962 год). Автор: Василий Пукирев.

«Неравный брак». Фрагменты. (1962 год). Автор: Василий Пукирев.


В действительности объективных причин для враждебной неприязни к художнику у купца Варенцова было две: первая — Варенцов собрался жениться на другой избраннице и эта история могла его поставить в неловкое положение и вторая — уж очень злободневным оказался сюжет этого полотна.

В начале 1961 года Священным синодом был издан указ, осуждающий бракосочетания между стариками-женихами и девочками-невестами, однако мало кто принял его во внимание и такие браки по-прежнему продолжались заключаться. А после выхода в свет картины «не один престарелый генерал, увидав «Неравный брак», взял назад своё намерение жениться на молодой особе», — так описывал впечатления публики от произведения Пукирева Илья Репин.



Охотник-рогоносец


Не менее популярна по скандальности и картина Василия Перова — «Охотники на привале» — самая знаменитая из работ художника, хранящаяся со дня своего создания в Третьяковской галерее.

Герои полотна — реальные жители Москвы, с которыми художник дружил долгое время.
Дмитрий Кувшинников, Василий Бессонов и Николай Нагорный — вот эта троица, проставленная на века художником.

 «Охотники на привале». (1871 год.) Автор: Василий Перов.

«Охотники на привале». (1871 год.) Автор: Василий Перов.


Так, известному московскому доктору Кувшинникову досталась главный образ «Бывалого», который эмоционально описывает приятелям небывалый случай из своей охотничьей практики. «Один горячо и зазнамо врёт, другой слушает и из всех сил верит, а третий ничему не верит, прилёг тут же и смеётся... Что за прелесть! — так описывал творение Перова Фёдор Достоевский. - Мы ведь почти слышим и знаем весь оборот его вранья».

Читайте также: «Охотники на привале»: секреты самой известной картины Перова.

Доктор Кувшинников.

Доктор Кувшинников.


И нужно заметить, что доктор и в жизни любил приврать, прихвастнуть и покрасоваться перед друзьями. Москвичи, приходя в Третьяковку посмотреть на шедевр Перова, еще долго сравнивали Кувшинникова с образом «бывалого» и потешались над ним. И вся эта история оказалась бы совсем невинной если бы не одно «но».

Портрет С.П. Кувшинниковой.

Портрет С. П. Кувшинниковой.


Спустя годы в свет вышел рассказ Антона Чехова «Попрыгунья», и вся Москва вновь заговорила о Кувшинникове, теперь уже как о рогоносце. Горожане без особого труда узнали в главной героине эпатажную жену доктора — Софью Петровну. Она вела богемный образ жизни, изменяя мужу с художником Исааком Левитаном, при том, не сильно заботясь о своей репутации.

Софья Кувшинникова. / Исаак Левитан.

Софья Кувшинникова. / Исаак Левитан.


Однако на писателя Чехова обрушилась лавина скандальных обвинений, и ему ничего не оставалось, как переделать первоначальную версию рассказа, изменив некоторые детали, дабы сходство не было таким заметным. Но было уже поздно, Кувшинникову до конца дней пришлось носить ярлык рогоносца. Не на шутку обиженная Софья Петровна прекратила общение с писателем, а Исаак Левитан даже пригрозил дуэлью. Художник был оскорблен не ролью любовника в этой истории, а тем, что явился прототипом посредственного художника Рябовского, с чем он никак не мог согласиться в отношении себя.

Мало-помалу история утихла. До суда дело не дошло. А не то, об этой истории узнала бы не то что вся Москва, а вся империя...

 
08:25 24.09.2018
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Секреты Третьяковки: Картины со скандальными историями, наделавшие немало шума при своем создании Источник:

Залы Третьяковской галереи, хранящие секреты своих обитательниц.

Залы Третьяковской галереи, хранящие секреты своих обитательниц.

Общественный интерес к скандальным историям в какой-либо сфере жизни во все времена был чрезмерно велик. Увы, так устроены люди. Там где пахнет жареным — туда все внимание. Не обошли стороной такие истории и русскую живопись конца 19 и начала 20 века. По крайней мере несколько случаев достаточно громко погремели на всю Москву. Однако даже самые грандиозные скандалы со временем утихали, а полотна, спровоцировавшие их, продолжали жить, да и до сих пор живут своей жизнью, украшают стены галереи и привлекают публику своими пикантными историями.


Третьяковка и по сей день хранит немало шедевров русской живописи, истории создания которых в свое время вызвали громкие скандалы и разбирательства.

Обнаженное искусство


Фаина Шевченко - актриса. / Русский художник Борис Кустодиев.

Фаина Шевченко — актриса. / Русский художник Борис Кустодиев.


В центр этого скандала попал известный русский художник Борис Кустодиев и его модель, актриса Московского художественного театра Фаина Шевченко. С нее то и писал художник в 1915 году пышнотелую оголенную диву, которая стала героиней полотна «Красавица».

 Фаина Шевченко - актриса Московского художественного театра.

Фаина Шевченко — актриса Московского художественного театра.


Живописцу пришлось долго уговаривать 21-летнюю Фаину позировать в раздетом виде. «Мне такой позор не нужен! Тысячи людей увидят меня голой!» — возмущенно парировала уговоры Фаина. Однако, немного посопротивлявшись, склонная к авантюрам актриса, предстала перед художником в обнаженном виде. А позже и перед всем миром...Так как это полотно приобрело широкую популярность и не только в России. А если ко всему еще и учесть, что из него было сделано несколько авторских копий, то шансов остаться незамеченной у Фаины не было никаких.

«Красавица». (1915 год). Автор: Борис Кустодиев.

«Красавица». (1915 год). Автор: Борис Кустодиев.


Но обо всем по-порядку... Художник, боясь, чтобы модель не передумала, работал над картиной с раннего утра и до поздней ночи. Он тщательно пытался передать атмосферу достатка в купеческом доме, где и «атласное одеяло и пуховые подушки в кружевных наволочках, и богатый расписной сундук и обои в цветочек»... все вместе отражало «народный идеал» о счастье. А сам образ «русской Венеры с пшеничными волосами, алыми губками-вишенками, щеками-румяными яблочками, лебединой шеей и холеным гладким телом» — традиционные вкусы русской натуры. Одним словом Кустодиев попытался передать идеал женщины, олицетворяющий и божественную красоту, и эротику; а также идеал материального достатка.

«Красавица». Фрагмент. Автор: Борис Кустодиев.

«Красавица». Фрагмент. Автор: Борис Кустодиев.


Когда полотно предстало перед московской публикой, начался небывалый ажиотаж, разделивший общественность города на два лагеря: одни — объявили её «пошлятиной», не соответствующей духу времени (в моду как раз вошли «плоскогрудые анемичные девицы»), а иные объявили шедевром, который станет первым номером в русской живописи. И как показало время — вторые оказались правы.

Фаина Шевченко - актриса, лауреат двух Сталинских премий.

Фаина Шевченко — актриса, лауреат двух Сталинских премий.


Но самый шокирующий эффект это событие произвело на режиссёра МХАТа Константина Станиславского, где служила Фаина Шевченко. Он пришел в ужас от того, что актриса его театра оказалась замешанной в таком «мещанском» скандале, да к тому же в таком виде.

Москва еще долго гудела, перебирая косточки и Кустодиеву и актрисе, но народная любовь к весёлой и талантливой Фаине позволила потихоньку забыть ее «грех» в глазах общественности. А слава пышнотелой «Красавицы» не помешала ей еще длительное время служить в театре и получить две Сталинские премии!

Читайте также: Загадка самой известной картины Кустодиева: кем на самом деле была «Купчиха за чаем»

Без разрешения


Художник Василий Пукирев. / Купец Сергей Варенцов.

Художник Василий Пукирев. / Купец Сергей Варенцов.


В эпицентре этой нелицеприятной ситуации оказался живописец Василий Пукирев — создатель нашумевшего полотна «Неравный брак». В 1862 году, сразу же после написания, картина была приобретена Павлом Третьяковым и выставлена на суд публики в его галерее, произведя сразу же небывалый фурор и вместе с тем крупную ссору двух друзей. Один из них был сам художник, а другой — купец Сергей Варенцов, который увидев свой образ на полотне, пришел в ярость. Купец предъявил претензии художнику в том, что тот без спросу изобразил его в роли отвергнутого возлюбленного, а именно шафера на втором плане, стоящем за невестой.

А дело было в том, что в основу сюжета действительно легла душещипательная история несчастной любви Сергея Михайловича, которой он по-дружески поделился когда-то с художником. Его любимую девушку родители отдали в жены более богатому, но пожилому претенденту. И это купца чрезмерно задело за живое и долго угнетало. А впечатлительный Пукирев воспользовался этим рассказом для сюжета своей работы, изобразив новоявленного жениха пристарелым генералом, а Сергея Михайловича — шафером.

«Неравный брак». (1962 год). Автор: Василий Пукирев.

«Неравный брак». (1962 год). Автор: Василий Пукирев.


Соответственно Варенцов, увидев свой образ на полотне закатил художнику скандал. И Пукиреву, дабы его замять, пришлось немедля дописать элегантную бородку шаферу. Однако после этого образ шафера начал смахивать на самого художника и тут-то все припомнили историю о несчастной любви самого Пукирева: в юности и его любимую отдали замуж за более богатого и перспективного.

«Неравный брак». Фрагменты. (1962 год). Автор: Василий Пукирев.

«Неравный брак». Фрагменты. (1962 год). Автор: Василий Пукирев.


В действительности объективных причин для враждебной неприязни к художнику у купца Варенцова было две: первая — Варенцов собрался жениться на другой избраннице и эта история могла его поставить в неловкое положение и вторая — уж очень злободневным оказался сюжет этого полотна.

В начале 1961 года Священным синодом был издан указ, осуждающий бракосочетания между стариками-женихами и девочками-невестами, однако мало кто принял его во внимание и такие браки по-прежнему продолжались заключаться. А после выхода в свет картины «не один престарелый генерал, увидав «Неравный брак», взял назад своё намерение жениться на молодой особе», — так описывал впечатления публики от произведения Пукирева Илья Репин.

Читайте также:Скандальный «Неравный брак» – картина, на которую не рекомендуется смотреть перед свадьбой женихам в летах.

Охотник-рогоносец


Не менее популярна по скандальности и картина Василия Перова — «Охотники на привале» — самая знаменитая из работ художника, хранящаяся со дня своего создания в Третьяковской галерее.

Герои полотна — реальные жители Москвы, с которыми художник дружил долгое время.
Дмитрий Кувшинников, Василий Бессонов и Николай Нагорный — вот эта троица, проставленная на века художником.

 «Охотники на привале». (1871 год.) Автор: Василий Перов.

«Охотники на привале». (1871 год.) Автор: Василий Перов.


Так, известному московскому доктору Кувшинникову досталась главный образ «Бывалого», который эмоционально описывает приятелям небывалый случай из своей охотничьей практики. «Один горячо и зазнамо врёт, другой слушает и из всех сил верит, а третий ничему не верит, прилёг тут же и смеётся... Что за прелесть! — так описывал творение Перова Фёдор Достоевский. - Мы ведь почти слышим и знаем весь оборот его вранья».

Читайте также: «Охотники на привале»: секреты самой известной картины Перова.

Доктор Кувшинников.

Доктор Кувшинников.


И нужно заметить, что доктор и в жизни любил приврать, прихвастнуть и покрасоваться перед друзьями. Москвичи, приходя в Третьяковку посмотреть на шедевр Перова, еще долго сравнивали Кувшинникова с образом «бывалого» и потешались над ним. И вся эта история оказалась бы совсем невинной если бы не одно «но».

Портрет С.П. Кувшинниковой.

Портрет С. П. Кувшинниковой.


Спустя годы в свет вышел рассказ Антона Чехова «Попрыгунья», и вся Москва вновь заговорила о Кувшинникове, теперь уже как о рогоносце. Горожане без особого труда узнали в главной героине эпатажную жену доктора — Софью Петровну. Она вела богемный образ жизни, изменяя мужу с художником Исааком Левитаном, при том, не сильно заботясь о своей репутации.

Софья Кувшинникова. / Исаак Левитан.

Софья Кувшинникова. / Исаак Левитан.


Однако на писателя Чехова обрушилась лавина скандальных обвинений, и ему ничего не оставалось, как переделать первоначальную версию рассказа, изменив некоторые детали, дабы сходство не было таким заметным. Но было уже поздно, Кувшинникову до конца дней пришлось носить ярлык рогоносца. Не на шутку обиженная Софья Петровна прекратила общение с писателем, а Исаак Левитан даже пригрозил дуэлью. Художник был оскорблен не ролью любовника в этой истории, а тем, что явился прототипом посредственного художника Рябовского, с чем он никак не мог согласиться в отношении себя.

Мало-помалу история утихла. До суда дело не дошло. А не то, об этой истории узнала бы не то что вся Москва, а вся империя...

Метки: секреты Третьяковки
 
12:16 23.09.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Филигрань и скань

.

Фото изделия, выполненного в технике филиграни (скани)

Фото изделия, выполненного в технике филиграни (скани)

Техника филиграни заключается в создании орнамента путем спаивания между собой элементов из тонкой проволоки драгоценных и недрагоценных металлов. Получаемое кружево может напаиваться на какую-либо основу (напайная филигрань) или образовывать воздушный узор (ажурная филигрань).

Сам термин «филигрань» произошел от двух латинских слов: filum, что значит «нить», и granum – зерно. На Руси данная техника обрела название «скань» от древнерусского «съкати», то есть «вить», «скручивать». Русская техника скани зародилась в еще X – XII веках, а к XIX веку она уже обрела статус искусства. Сканью выполнялись украшения, вазы, шкатулки, декоративные панно.

Елочный шар-шкатулка, изготовленный в технике скани (филиграни)). Фото: Злат-Дар

Елочный шар-шкатулка, изготовленный в технике скани (филиграни)). Фото: Злат-Дар

Флешка, оформленная в технике филиграни. Фото: isnovaprazdnik.com

Флешка, оформленная в технике филиграни. Фото: isnovaprazdnik.com

Суть филигранной техники довольно проста, но требует высокого уровня художественного и ювелирного мастерства, так как весь процесс представляет собой исключительно ручную работу. Сначала на бумаге в натуральную величину изображается эскиз будущего узора. Затем из гладкой или заранее скрученной проволоки создаются его элементы, которые приклеивают на бумажный эскиз — они должны в точности повторять рисунок. Под действием пламени специальной горелки детали спаиваются в единый узор, а бумага полностью сгорает.

Центром современного сканного искусства стало село Казаково, расположенное в Нижегородской области. Первая мастерская открылась здесь в 1939 году, а сегодня это уже крупный завод ЗАО «Казаковское предприятие художественных изделий». Ассортимент выпускаемой продукции невероятно широк: украшения, элементы декора, ордена и медали, предметы церковно-религиозного направления. Благодаря высокому качеству и художественной ценности, продукция завода пользуется успехом на отечественном рынке и за рубежом.

Метки: искусство, АЯТ, распространение, филигрань, история появления
 
10:44 19.09.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Из чего состоит опера

Поп-музыка, рок, рэп — все это существует с презумпцией того, что для пения (отнесем к нему и рэп для наглядности) абы какие слова не подойдут: нужен текст, который хорошо ложится на музыку, соответствующим образом ритмически организованный, очень часто рифмованный и вдобавок строфически выстроенный. Иными словами, без поэзии пения вроде как и не бывает, и даже всякое «мой номер двести сорок пять, на телогреечке печать» — и оно стремится туда же, к той олицетворенной всевозможными аэдами, скальдами и прочая парадигме, которой черт знает сколько тысяч лет. Вокальная музыка — первородный и самый естественный способ существования поэзии. Поэтический текст — нормальный и даже нормативный словесный «контент» для музыки.

Опера при всем своем консерватизме в этом смысле оказывается куда более отважной, чем массовая культура. Оперы, написанные на сплошь прозаический текст, не просто «встречаются» или «бывают» — их десятки и десятки, причем в это число входят и популярные, хитовые или, во всяком случае, широко известные названия. «Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси, «Война и мир» Прокофьева, «Воццек» Берга, «Билли Бадд» Бриттена, «Саломея» Рихарда Штрауса, «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича и много чего еще.

Как легко заметить, все эти оперы были написаны в течение последних ста с лишним лет. Отречение от такой извечной скрепы, как безраздельное господство поэзии в оперных либретто (разговорные вставки не в счет), действительно случилось только в последние десятилетия XIX века. Подступы были заметны и раньше. Еще в 1850-е Верди грозился очередным заказчикам написать оперу на прозаическое либретто — грозился скорее в шутку, но заказчиков всерьез перепугал. Сам Верди эту угрозу не осуществил (Италия, первооткрывательница идей и оперной музыки, и оперного либретто, в этом отношении оказалась в целом чуть более консервативной). Но вообще в конце 1860-х и в 1870-е за эксперименты с прозаическим текстом берутся оперные композиторы очень разных вкусов, взглядов, эстетических предпочтений — например, оказались в их числе и Мусоргский, и Гуно. И это было не формалистическое новаторство ради новаторства, а просто реакция на то, что музыка страшно далеко ушла по сложности, богатству, образности, по гармоническому, идейному, тембровому арсеналу от ситуации барочных времен. После Вагнера рабски следовать в оперной мелодике (все-таки не романс и не песенка) просодии стихотворного текста было уже несколько нелепо. А вот прозаическая речь, организованная разнообразно и прихотливо, естественная, нестесненная, интонационно гибкая, представлялась композиторам, по выражению того же Гуно, «неистощимыми залежами возможностей».

Разумеется, это была речь не газетной заметки и не уличной торговки. Главный импульс к появлению оперы с прозаическим либретто — то, что перед композитором лежал готовый текст с самостоятельной и, как правило, счастливой судьбой: роман, повесть или драма. Отчасти читательское восхищение композитора, отчасти эта самая счастливая судьба и вызывали к жизни оперную адаптацию литературного опуса. Такое бывало и раньше — иначе бы не видать нам ни «Лючии ди Ламмермур», вдохновленной Вальтером Скоттом, ни «Травиаты», вдохновленной Дюма-сыном. Но просто раньше царило убеждение, что проза, даже славная, слишком нескладна, низка, груба для оперной сцены, а потому ее обязательно нужно версифицировать, предусмотрев удобные тексты для речитативов и арий. А потом это убеждение довольно быстро отжило свое — вместе со многими другими художественными постулатами, которые к концу XIX века стремительно превращались в анахронизм.

Только не стоит увлекаться, видя в соединении оперной музыки и нестихотворного текста исключительно достижение модерна и модернизма. В конце концов, была же и церковная музыка, которая в XIX веке, положим, начала себя мыслить как нечто совершенно автономное со своей сугубо «духовной» эстетикой — но прежде того вот совсем не чуралась оперной эстетики и оперных приемов. А тексты там понятно какие: привычная нам силлабо-тоническая поэзия присутствовала, конечно, в протестантском богослужении, но в богослужении католическом стихотворных богослужебных текстов было на порядок больше; песнопения мессы, антифоны, респонсории и особенно псалмы — это тоже, конечно, поэзия, однако совсем не того свойства, что «Куда, куда вы удалились...» И ничего: совсем не стало меньше из-за этого прекрасных и вполне оперных по складу арий в псалмах Вивальди или в мессах Моцарта, Гайдна, Бетховена, не говоря уже о множестве менее известных композиторов. Или в «Мессии» и «Израиле в Египте» Генделя, где попурри из библейских цитат тоже никакой версификации не подвергалось.

Для первых «прозаических» опер вроде «Пеллеаса и Мелизанды» критики придумали даже как будто осуждающий термин — Literaturoper, «литературная опера». Отчасти это было довольно метко: слово это ненароком отмечало, что отвлеченно-условные сюжеты для новых опер становятся неудобными, а вот использовать уже хорошо известное литературное произведение — верный способ привлечь к новой опере внимание публики. Но, если по правде, опера и без того как была, так и остается фундаментально связанной с новоевропейской словесностью: это трансформирующаяся от поколения к поколению эстетика большой литературы определяла многое в образности оперного зрелища прежде и продолжает сказываться в современных интерпретациях опер — и поэтических, и прозаических.

Метки: опера, АЯТ(искусство)
 
21:30 15.09.2018
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Неизвестные таланты великих: Живописные пейзажи на акварелях поэта Михаила Лермонтова Арт

Живописное наследие Михаила Лермонтова.

Живописное наследие Михаила Лермонтова.

Некоторым талантливым людям и жизни длиною в век не хватает, для того чтобы развить свой талант и подарить его миру. Чего не скажешь о русском поэте Михаиле Лермонтове, достигшем к своим 27 годам высокого творческого взлета не только в поэзии, а и в живописи. Да, совсем не многие знают о Лермонтове-художнике, оставившем в наследие грядущим поколениям тринадцать живописных полотен, выполненных маслом, более сорока акварельных работ и свыше трехсот рисунков и набросков.


Уникальный дар к искусствам


Лермонтов в детстве.  1820-1822. Неизвестный художник.

Лермонтов в детстве. 1820-1822. Неизвестный художник.


Рожденный в семье отставного капитана Юрия Лермонтова, 3-летний Миша почти не помнил своей рано умершей матери. Детские годы мальчика прошли в пензенском имении его бабушки, Елизаветы Алексеевны Арсеньевой, в Тарханах, которая всецело посвятила себя воспитанию и всестороннему образованию внука.

Елизавета Алексеевна Арсеньева, бабушка М. Ю. Лермонтова. Неизвестный художник.

Елизавета Алексеевна Арсеньева, бабушка М. Ю. Лермонтова. Неизвестный художник.


По дворянским традициям в процесс становления личности юного дворянина в обязательном порядке были включены не только уроки фехтования, музыки, иностранных языков, а и уроки живописи и рисунка. И нужно заметить, что дар к искусствам маленький Миша имел удивительный.

Автопортрет. Масло. (1837-38 г.г.).

Автопортрет. Масло. (1837-38 г.г.).


Тонко чувствуя музыку, он был уверен, что она способна намного точнее и глубже, нежели слова, отразить сокровенные чувства. Он с детства отлично играл на скрипке и фортепиано. К тому же у Михаила был аналитический склад ума, и ему без труда давалось решение сложных математических задач. Он был отличным игроком в шахматы и великолепным рассказчиком, и ко всему свободно владел несколькими иностранными языками. Как было сказано выше, хорошо владел техникой рисунка и приемами живописи. И что удивительно, Лермонтову все давалось без особого труда. Однако свой поэтический дар он тщательно отшлифовывал упорным трудом, так как мечтал стать со своими стихами в один ряд с гением Пушкина. Впрочем, чего и достиг в полной мере. Хотелось бы заметить, что талантливый юноша свою первую поэму написал в четырнадцать лет.

Воспоминание о Кавказе. Масло. (1837 год). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Воспоминание о Кавказе. Масло. (1837 год). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Увлечение же рисованием явилось одним из самых ранних пристрастий Михаила, из жизнеописания которого известно, что рисовать поэт начал намного раньше, нежели сочинять стихотворения. Первые азы в рисовании будущему поэту преподал художник Александр Солоницкий. А начиная с 1830-х годов, будучи кадетом, а позже юнкером юный Лермонтов брал уроки по изобразительному искусству у живописца Петра Заболоцкого, который написал несколько портретов своего талантливого ученика.

Лермонтов в ментике лейб-гвардии Гусарского полка. (1837 год). Автор: Петр Заболотский.

Лермонтов в ментике лейб-гвардии Гусарского полка. (1837 год). Автор: Петр Заболотский.


Из воспоминаний о Михаиле близкого родственника поэта Акима Шан-Гирея: «Любовь к изобразительному искусству Михаил питал еще в самом раннем возрасте. Он был счастливо одарен способностями к искусствам; уже тогда рисовал акварелью довольно порядочно и лепил из крашеного воску целые картины...»

Эльбрус. Масло. Автор: М.Ю. Лермонтов.

Эльбрус. Масло. Автор: М. Ю. Лермонтов.


Творчество Лермонтова было весьма разноплановым. Писал он и панорамные пейзажи, и портреты, затронул и жанровые военные сюжеты, создал иллюстрации к множеству собственных произведений, не плохо удавались поэту и карикатуры. Однако самые известные его произведения связаны с Кавказом, написанные в духе романтизма. Лучшие творения поэта были созданы во время первой ссылки.

Пятигорск. Масло. (1837год). М.Ю. Лермонтов.

Пятигорск. Масло. (1837год). М. Ю. Лермонтов.


Он был одним из первых живописцев, обратившихся к чарующей красоте кавказских гор. Практически все панорамные виды Кавказа Лермонтов создал как малый фрагмент огромной гористой местности, где и развалины старых строений, и монастыри, и храмы, как бы висящие над обрывами скал, органично вписаны на картинную плоскость. А миниатюрные изображения фигур всадников, погонщиков верблюдов, женщин еще больше подчеркивают «космическую безмерность» панорамного изображения.

И что интересно, при исследовании полотен Михаила Юрьевича специалистами доказано, что изображаемая местность по большей мере соответствует реальной топографии.

Крестовая гора. Масло. (1837-1838 г.г.). М.Ю. Лермонтов.

Крестовая гора. Масло. (1837-1838 г.г.). М. Ю. Лермонтов.


Михаил Лермонтов.

Михаил Лермонтов.


В своих портретах Лермонтов так же стремился к максимальному соответствию натуре. Так, к примеру, автопортрет, который написал в 1837-38 годах, исследователи жизни и творчества поэта считают одним из самых достоверных портретов.

Нападение. Сцена из кавказской жизни. Масло.(1837год). М.Ю. Лермонтов.

Нападение. Сцена из кавказской жизни. Масло.(1837год). М. Ю. Лермонтов.


Портрет драматурга, поэта Андрея Николаевича Муравьева. Масло.(1839год). Автор:  М.Ю. Лермонтов.

Портрет драматурга, поэта Андрея Николаевича Муравьева. Масло.(1839год). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Военно-Грузинская дорога близ Мцхета. Масло. (1837 год). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Военно-Грузинская дорога близ Мцхета. Масло. (1837 год). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Перестрелка в горах Дагестана. Масло. (1840-1841 г.г.). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Перестрелка в горах Дагестана. Масло. (1840-1841 г.г.). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Атака лейб-гвардии гусар под Варшавой 26 августа 1831 года. Масло. (1837 год). Автор: Михаил Лермонтов.

Атака лейб-гвардии гусар под Варшавой 26 августа 1831 года. Масло. (1837 год). Автор: Михаил Лермонтов.


Окрестности селения Караагач. Масло. (1837-1838). (Изображены окрестности Караагача, где стоял Нижегородский драгунский полк, в котором он служил). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Окрестности селения Караагач. Масло. (1837-1838). (Изображены окрестности Караагача, где стоял Нижегородский драгунский полк, в котором он служил). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Вид Крестовой горы из ущелья близ Коби. Автолитография, раскрашенная акварелью. (1837-38г.г.). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Вид Крестовой горы из ущелья близ Коби. Автолитография, раскрашенная акварелью. (1837-38г.г.). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Башня в Сиони. Масло. (1837-1838г.г.). (Это одно из самых масштабных полотен, написанных поэтом маслом и подаренных бабушке). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Башня в Сиони. Масло. (1837-1838г.г.). (Это одно из самых масштабных полотен, написанных поэтом маслом и подаренных бабушке). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Грузинки на крыше сакли. Графитный карандаш. (1837год). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Грузинки на крыше сакли. Графитный карандаш. (1837год). Автор: М. Ю. Лермонтов.


Тамань. Масло. (1837 год). Автор: М.Ю. Лермонтов.

Тамань. Масло. (1837 год). Автор: М. Ю. Лермонтов.


 Портрет М. Ю. Лермонтова. Автор: П. Кончаловский.

Портрет М. Ю. Лермонтова. Автор: П. Кончаловский.


Свои работы Лермонтов раздаривал родным и друзьям. Однако на сегодняшний день практически все сохранившиеся его работы собраны в галереях и музеях России. И кто знает, сколько бы еще великолепных полотен написал бы Михаил Юрьевич, если бы его жизнь не оборвалась трагически в столь молодом возрасте.


 
13:31 15.09.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Парк глиняных скульптур в Китае

К чудесам света парк не причислить, но это что-то невероятно. Особенно, если представить, что он создавался энтузиастами. Парк глиняных скульптур появился в китайскомгороде Таншань. Количество скульптур достигает нескольких тысяч — в мире ему нет аналогов.

Парк глиняных скульптур в Китае (5 фото)


Автором этого проекта стал скульптор Цинь Шипин. Работать начали в 2008 году, скульптуры из глины лепили всего 3 человека!
А финансировал проект сам автор.

Парк глиняных скульптур в Китае (5 фото)


Цинь надеется заработать за счет посетителей, что абсолютно естественно, да и в желающих обозреть достопримечательность нет отбоя. Зрители могут свободно перемещаться по улице в окружении глиняных фигур и, включив воображение, переносится в далекие времена династии Сун.

Парк глиняных скульптур в Китае (5 фото)


Размеры парка: 60 на 300 метров.
Все фигуры (люди, лошади, строения) выполнены из глины в пропорции 2/3 от натуральной величины.

Парк глиняных скульптур в Китае (5 фото)

Парк глиняных скульптур в Китае (5 фото)
Метки: китай, искусство, глина, АЯТ
 
14:01 12.09.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Касплей — искусство макияжа

Современная косметика и мастерство грима позволяют косплейщикам принимать различные образы. Знакомьтесь, эту девушку зовут Анжелика, она проходит обучение в школе гримеров Cinema Makeup School в Лос-Анджелесе, а глядя на ее работы, с трудом верится, что это всё один и тот же человек на фото. Советуем вам посмотреть на то, как эта девушка научилась мастерски менять свой образ при помощи профессионального макияжа.

Анжелика - королева косплея






















Метки: Современный макияж, АЯТ(искусство), касплей
 
19:14 11.09.2018
Тамара Ширнина опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Статуя стража во Флоренции

В старом парке Вилла Демидофф Villa Demidoff (к северу от Флоренции, Италия) в северной части Флоренции можно увидеть гигантскую статую стража, созданную еще в шестнадцатом веке. Эта скульптура носит название Colosso dell’Appennino – Аппеннинский Колосс, а создал ее в 1580-м году итальянский скульптор Джамболонья. Этот колосс – своеобразный страж живописного пруда, и на протяжении нескольких веков он задумчиво смотрит в воду, сидя на берегу водоема. Когда-то статуя колосса была лишь одной из многих скульптур, украшавших парк, однако большинство из них были отлиты из бронзы и со временем были украдены или утеряны. Так каменный богатырь остался в полном одиночестве и со временем стал центральной фигурой в концепции оформления парка, разбитого для услаждения глаз любовницы богатого итальянского графа.

10-метровая статуя стража во Флоренции


Колосс являет собой гармоничную связку между природой и рукотворным творчеством человека, а его гигантские размеры символизируют величие чувств.





The Appennino in 1911.


Это каменное божество, имеющее более 10 метров в высоту








Оказывается, внутри неё скрыто несколько комнат, которые можно использовать по назначению. Левая рука колосса поддерживает поток воды, который берёт начало под землёй; по слухам, помещение внутри головы было отведено под каминную.


При разжигании огня ноздри гиганта должны были выпускать дым. Посмотрите, у него и внутри есть помещения и пустоты.





Метки: история, Флоренция, статуя, АЯТ(искусство)
 
12:35 03.09.2018
Анна Костенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Фарфоровые куклы ручной работы в нарядах разных эпох, выполненных с исторической достоверностью

Фарфоровые красавицы. Автор: Александра Кукинова.

Фарфоровые красавицы. Автор: Александра Кукинова.

Фарфоровые красавицы Александры Кукиновой – настоящее произведение искусства, на которое смотришь, затаив дыхание, поражаясь тому, насколько искусно сделаны утончённо-изысканные куклы, облачённые в дорогие наряды с мельчайшей проработкой деталей, что идеально подчёркивают горделивый женский стан и точёную фигуру с плавными изгибами и формами.


Бабочка. Автор: Александра Кукинова.

Бабочка. Автор: Александра Кукинова.

Куклы из фарфора ручной работы выполнены с исторической достоверностью и в высоком качестве.  Автор: Александра Кукинова.

Куклы из фарфора ручной работы выполнены с исторической достоверностью и в высоком качестве. Автор: Александра Кукинова.

Амайя (Ночной дождь). Автор: Александра Кукинова.

Амайя (Ночной дождь). Автор: Александра Кукинова.

Леся. Автор: Александра Кукинова.

Леся. Автор: Александра Кукинова.


Творения Александры при всём своём желании не получается назвать куклами, лишь потому, что все они достойны называться самыми настоящими девушками: скромными простушками, роскошными леди, элегантными дамами, во взглядах которых читается радость, грусть и нотки игривого настроения. Каждая из них несёт свою историю, идею и какую-то тайну. Одни из них ходят на балы, другие на светские вечеринки, а третьи – просто наслаждаются каждым днём, задумчиво приподнимая глаза, лукаво улыбаясь.

Каждая кукла полностью выполнена вручную. Автор: Александра Кукинова.

Каждая кукла полностью выполнена вручную. Автор: Александра Кукинова.

Невероятно живые куклы Александры Кукиновой.

Невероятно живые куклы Александры Кукиновой.
Коллекционные фарфоровые куклы, созданные мастерицей Александрой Кукиновой.

Коллекционные фарфоровые куклы, созданные мастерицей Александрой Кукиновой.

Вся одежда шьётся как для людей с использованием  дорогих тканей и материалов. Автор: Александра Кукинова.

Вся одежда шьётся как для людей с использованием дорогих тканей и материалов. Автор: Александра Кукинова.


Героинь своих работ, Александра одевает в роскошные одежды ручной работы, где каждая делать выполнена с невероятной точностью, где благородные ткани от натурального шёлка и органзы, жатой вручную до мохера и атласа придают нарядам тот самый лоск, присущий каждой отдельной эпохе. Также обстоят дела и с украшениями, сделанными из антикварного бисера, глядя на которые подмечаешь тонкую ювелирную работу.

Белокурая красавица. Автор: Александра Кукинова.

Белокурая красавица. Автор: Александра Кукинова.

Свадебный наряд. Автор: Александра Кукинова.

Свадебный наряд. Автор: Александра Кукинова.

Это не просто бездушные куклы, а самые настоящие девушки с душой и характером. Автор: Александра Кукинова.

Это не просто бездушные куклы, а самые настоящие девушки с душой и характером. Автор: Александра Кукинова.

Маскарад. Автор: Александра Кукинова.

Маскарад. Автор: Александра Кукинова.


Кто-то создаёт кукол, вкладывая в них максимальное количество времени и душу, а кто-то, собирает, пряча за стеклом или же выставляя на всеобщее обозрение. Но есть и те, кто попросту не могут удержаться, раз за разом пополняя свою «маленькую» коллекцию новыми экземплярами. Виктория Эндрюс – как раз из тех людей, которая поговаривает о том, что у её сына есть сорок братьев и сестёр, да вот только все они из жутковатой коллекции молодой мамы, готовой выложить кругленькую сумму за ещё одну такую игрушку.

 
21:45 02.09.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Животные в мировой живописи.

Животные играют в мировой живописи далеко не последнюю роль. Использование образа животного в искусстве носит название «Анималистика». Едва люди научились делать наскальные изображения, первым делом они начали рисовать именно животных, как неотъемлемую часть их быта и, в то же время, угрозу для жизни. Их целью было передать свои знания и опыт потомкам, систематизировать и гармонизировать окружающий мир.

Прошло время, искусство и, в частности, живопись достигли небывалых высот, но животные снова и снова появлялись на холстах художников. Основная цель этих художников – запечатлеть красоту, силу, грациозность и величие животного мира.

Давайте рассмотрим некоторых наиболее выдающихся художников, изображающих животных, начиная с эпохи Просвещения и до XX века:


Ян Вильденс (1586—1653) — фламандский живописец.
С самого детства был окружен известными и влиятельными художниками того времени. Благодаря этому, будучи еще юным живописцем, Ян уже стал приобретать бесценные навыки и мастерство. Его картины очень колоритны, многие из них посвящены изображению ярких летних пейзажей, детально прорисованных животных и ярких натюрмортов. В живописи этого автора прослеживается его индивидуальный почерк.


Ян Фейт (1611—1661) — фламандский художник и гравер. Яна Фейта высоко ценили современники за его реалистичные охотничьи натюрморты. Гравюры этого художника посвящены преимущественно собакам.

Фото Животные в мировой живописи.



Паулюс Поттер (1625—1654) — голландский живописец. Его работы – в основном, пейзажи с детальным изображением домашних животных на лугах, и сцен охоты. Его живописные картины с изображением животных обеспечили Паулюсу Поттеру всемирную славу. Самой известной является большая картина «Молодой бык».

Фото Животные в мировой живописи.

Давид Конинк (1636—1699) — фламандский живописец.
Писал живых и мёртвых животных, цветы и плоды. Работал под именем Раммелара (по-нидерландски «кролик». Это животное художник часто изображал на своих картинах). Его картины отличаются естественностью, силой колорита, уверенностью и свободой кисти.

Фото Животные в мировой живописи.


Йозеф Вольф (1820—1899) — немецкий график и живописец.

Родившись в бедной крестьянской семье, Вольф с детства привык наблюдать за природой и рисовать её. В зрелом возрасте Вольф проиллюстрировал книгу Эдуарда Рюппеля «Птицы Северо-Восточной Африки» и ряд других работ.

Фото Животные в мировой живописи.


Генрих фон Цюгель (1850—1941) — немецкий живописец.

Более 40 лет своей жизни Генрих фон Цюгель посвятил теме «Тяжкий труд», изображая на холсте упряжь волов во время работ в поле. Художником было создано 24 версии этого сюжета, в которых зритель может наблюдать развитие его мастерства, которое от детального отражения переходит к кубическому. Цель его ранних работ, выполненных в крупноформатном масштабе — передать своё ощущение связи между человеком и природой.

Фото Животные в мировой живописи.


Франц Марк (1880—1916) — немецкий живописец-экспрессионист.

Этот художник серьёзно изучал анатомию животных, для того, чтобы наиболее полно воплотить своё видение природы в живописи. Человек казался Францу безобразным, животное же представлялось ему как высшее и чисто существо. Зрелая живопись Марка зачастую изображает животных (таких, как лошади, лисы или олени) в естественной обстановке. Поздние работы Марка характеризуются яркой палитрой в сочетании с кубистическими образами. Цветовые переходы выполняются резко, что нередко создает тревожное настроение. К таким работам относится и картина «Судьба животных», получившая наибольшую известность.

Фото Животные в мировой живописи.

В настоящее время Анималистика продолжает активно развиваться. Многие художники посвящают всю свою жизнь работам, посвященным братьям нашим меньшим. В основе их творчества – любовь и восхищение красотой животного мира. Цель их творчества – напомнить людям силе, мудрости, красоте и прочих достоинствах животных, вызвать чувство умиления, а, в некоторых случаях, и жалости, напомнить о том, что мы в ответе за тех, кого приручили.

Текст: Александра Ленарская

Метки: искусство, анималистика, АЯТ
 
22:27 29.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Вышивание лентами

Вышивка лентами — один из самых интересных и оригинальных видов искусства... Результат восхитителен !!!!
Вышивка лентами — один из самых интересных и оригинальных видов вышивания. Результат восхитителен ...
Вышивка лентами — один из самых интересных и оригинальных видов вышивания. Результат восхитителен ... - 2
Вышивка лентами — один из самых интересных и оригинальных видов вышивания. Результат восхитителен ... - 3
Вышивка лентами — один из самых интересных и оригинальных видов вышивания. Результат восхитителен ... - 4
Вышивка лентами — один из самых интересных и оригинальных видов вышивания. Результат восхитителен ... - 5
Вышивка лентами — один из самых интересных и оригинальных видов вышивания. Результат восхитителен ... - 6
Метки: ленты, вышивание, АЯТ(искусство)
 
13:16 28.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Мне всю жизнь казалось, что искусство — это картины и скульптуры. Разве не так?

В XX веке понимание того, что такое искусство, очень сильно расширилось.

2

Какие еще есть виды?

Их много. Есть инсталляции — пространственные композиции, которые могут создаваться из чего угодно — при этом представлять собой художественное целое. Есть перформанс — это действия художника в определенных месте и времени. Еще художники начали создавать произведения в формате видео, работать с запахами или воздухом и любыми материалами, выставлять обычные и необычные предметы, иногда собирая их в сложные конструкции, превращая в скульптуры или дополняя их звуком, светом или представлением. Таким образом, разрушаются границы между современным искусством, театром, музыкой и кино — и это называется междисциплинарным подходом.

3

А почему все это считается искусством?

Эти творческие эксперименты стали считаться искусством потому, что ими занимались уже известные художники. В XX веке в принципе искусство начали анализировать и оценивать в обязательной связке с автором и контекстом. Например, пионер ленд-арта Ричард Лонг всю жизнь протаптывал тропинки, выкладывал композиции из палочек и прутиков и создавал лаконичные рисунки в окружающем его пейзаже. Поэтому даже ровная линия, выложенная из палочек Ричардом Лонгом в музее, воплощает долгий творческий путь художника.

Но, конечно, произведения искусства может создавать не только автор с именем. Любые объект или действие можно признать искусством, если в них вложен нетривиальный смысл, они отражают современность или исследуют что-то новое, до чего еще не добрались другие. Например, советские художники-концептуалисты 1970-х не были официально признаны, но они активно занимались искусством и продвигали его в подполье.

4

Откуда взялось это новое искусство?

Считается, что первым был Марсель Дюшан: именно он решил, что любой предмет может стать искусством только по воле художника, благодаря его подписи и контексту выставки. Дюшан говорил, что художник может пользоваться готовыми вещами, потому что искусством правят идеи и их оригинальность может вызывать не меньшее уважение, чем мастерство автора. Самым известным его художественным произведением стал «Фонтан» 1917 года — обычный писсуар с автографом и датой. Такой жест Дюшана был радикален для своего времени и повлиял на все искусство XX века.

5

Как понять, что какой-то странный объект в музее заслуживает моего внимания?

Понимание интуитивно. По-хорошему, произведения искусства должны впечатлять и воздействовать на зрителя сами по себе. Для этого достаточно уделить им внимание — присмотреться, оценить, что расставлено вокруг. Например, вы остановились в комнате в окружении парящих рыб Паррено. Задайтесь вопросом, что вы при этом почувствуете? Покажется ли вам, будто вы оказались в огромном аквариуме? Будет ли вам любопытно и весело? Обычно произведения искусства дарят эмоции и заставляют поразмышлять о чем-то.

6

Почему на выставках современного искусства чаще встречаются такие штуки, чем картины?

За прошлый век было создано столько картин в самых разных жанрах, что стало казаться, будто сегодня в живописи уже нельзя изобрести что-то новое. Поэтому сегодня актуальна живопись, которая притворяется чем-то другим, например мебелью, тонко намекая, что именно такое место она все чаще занимает в интерьерах. На проекте «Генеральная репетиция», вместе с которым мы написали карточки, можно найти инсталляцию Люси МакКензи («Лина мутон», 2016): мебель в комнате расставлена совсем как в магазине. Но если приглядеться внимательнее, оказывается, что она сделана не из дерева, а из разрисованных холстов.

«Генеральная репетиция» — это совместный проект фонда V-A-C и ММОМА на Петровке, 25. Произведения современного искусства в нем будто бы играют театральные роли. Все предметы — и рыбы, и мебель, и вешалки, по словам кураторов, имеют свою биографию и характер.

7

С рыбами и мебелью вроде понятно. А как вешалка попала в музей?

Это произведение бельгийца Марселя Бротарса и один из экспонатов «Генеральной репетиции». Выглядит он так: деревянная вешалка, будто из прихожей соседской бабушки, на ней висит пальто, выкрашенная туба, пластиковые козырьки, а сверху на поддоне лежит груда склеенных яичных скорлупок.

Чтобы разобраться, что хотел этим сказать художник, следует знать, что он — последователь Дюшана и тоже большой хулиган. Бротарс выставлял в музеях удивительные вещи: знаменитые бельгийские кастрюльки с пустыми раковинами мидий и шкафы, полные яичных скорлупок. Художник видел в яйце глубокую метафору: весь мир представлялся ему рожденным от огромного желтка — солнца, а вокруг него — рассыпанная яичная скорлупа, то есть звезды. Также он задумывался о том, как живет музейное пространство и какие объекты в нем можно встретить; почему музеи объявляют ценными объекты, которые в них попадают, и на многих выставках создавал пародийные собственные псевдомузеи.

8

Интересно, конечно. Но как это может понравиться?

Искусство не обязательно должно вам нравиться. Ни художник, ни музей, ни куратор не ставят перед собой такую цель. Какие-то вещи могут, наоборот, раздражать, шокировать или вызывать отвращение, и за счет этого произвести на вас сильное впечатление и даже изменить вашу картину мира. Но чтобы понять смысл произведений и концепцию выставки, лучше всего сделать домашнее задание перед походом в музей: почитать о художниках и кураторах, ознакомиться с экспликациями, разобраться, что еще происходит в искусстве сегодня.

Еще один простой способ во всем разобраться — спросить медиатора. Эти люди работают в музеях, чтобы вместе с вами понять, за что можно полюбить то или иное произведение искусства. В отличие от экскурсоводов, медиаторы не дают собственной оценки произведениям, но задают наводящие вопросы и помогают сформировать собственное впечатление. На «Генеральной репетиции» тоже есть медиаторские туры.

9

Какие еще неожиданные произведения можно увидеть на «Генеральной репетиции»?

Посмотрите на большую и красивую лампу Алигьеро Боэтти («Ежегодная лампа», 1967). Она тоже не обычная: лампа зажигается всего раз в год — на 11 секунд. Многие приходят на нее посмотреть и сомневаются, что она загорается на самом деле. Казалось бы, такая простая идея — но в безупречном воплощении заставляет задуматься о многом: что такое время, действительно ли мир такой, как нам говорят (кто знает, зажигается ли эта лампа).

Еще на «Генеральной репетиции» выставлены личные вещи поэта Марии Степановой, которая выступила соавтором третьей части проекта. Она поместила одежду, чемоданы, ширму и другие предметы из своего дома в окружение произведений искусства известных художников. Тем самым Степанова призывает зрителей задуматься, что на самом деле можно считать искусством и так ли отличается ее чемодан от вешалки Бротарса.

10

Когда на все это можно посмотреть?

«Генеральная репетиция» продлится до 16 сентября 2018 года. На трех этажах ММОМА можно увидеть сотни экспонатов, а еще послушать лекции, концерты и посмотреть перформансы. Например, 26 августа состоится режиссерская лаборатория с руководителем Театра post Дмитрием Волкостреловым, 30 августа — мастер-класс композитора Тодора Тодорова, 31 августа — концерт постминималиста Филипа Джека. Полное расписание можно посмотреть на сайте.

Метки: современное искусство, АЯТ(Искусство )
 
11:03 21.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картина "Давид получает заказ на портрет Марата 14 июля 1793. Париж

Художник: Жак-Луи Давид (1748–1825), Франция

Жак-Луи Давид. «Смерть Марата». 1793

За день до того, как один из лидеров революционной Франции Жан-Поль Марат был убит у себя в ванной, его посетил друг и сторонник, художник Жак-Луи Давид. Он приобрел известность еще до революции, обозначив картиной «Клятва Горациев» (1784) и другими историческими полотнами поворот от легкомысленного рококо, характерного для XVIII века, к более строгому и серьезному стилю. Поддержав революцию с первых дней, когда была свергнута монархия, Давид вошел в новый правящий орган — Национальный Конвент — и проголосовал за казнь короля. В короткий период Первой республики ему принадлежала практически неограниченная власть над французским искусством, и под его руководством проводились торжественные церемонии, в том числе похороны Марата.

Двенадцатого июля 1793 года художник обнаружил Марата измученным болезнью. Журналист-радикал, писавший под псевдонимом «Друг народа», страдал от порока кожи, с которым справлялся лишь благодаря целебным ваннам. «Его состояние меня потрясло, — вспоминал позднее Давид. На деревянной тумбе рядом с ним стояла чернильница и лежал лист бумаги, на котором он записывал протянутой из ванны рукой свои последние мысли об освобождении народа».

День спустя Марат умер от руки Шарлотты Корде — молодой женщины, заколовшей его прямо в ванне. Корде проникла в дом к революционеру, попросив его о беседе, но в действительности задумала покончить с ним как с инициатором захлестнувшего Францию политического террора. Давид показывает Марата бездыханным в первые мгновения после смерти, с пером в правой — бессильно опущенной — руке и с запиской от Корде в левой. Перед нами мученик, образ которого содействовал росту поддержки революции народом.

Хотя композиция произведения тщательно выстроена, оно было создано очень быстро. На следующий день после убийства Марата другой член Конвента попросил Давида «вернуть нам героя». Художник завершил картину в октябре, и она разошлась в копиях по всей Франции. Представляя свою работу Конвенту, Давид сказал: «Граждане, народ продолжал взывать к своему другу. Я услышал его голос: „Давид, возьми кисть <…> и отомсти за Марата“. <…> Я услышал голос народа и подчинился».

Находясь в гуще политических событий и запечатлевая их едва ли не на ходу, живописец избрал новую — и не столь безопасную для себя — модель поведения. За близость к Максимилиану Робеспьеру ему пришлось заплатить (после падения лидера якобинцев в 1794 году) тюремным заключением. Давид вернул себе славу при Наполеоне, создав несколько эталонных изображений императора, но реставрация Бурбонов в 1815 году вынудила его бежать в Брюссель, где он и провел остаток жизни в изгнании. Картина Смерть Марата тоже на время исчезла, чтобы триумфально вернуться в историю искусства уже в конце XIX века.

Метки: АЯТ(Искусство ), история написания картины
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Сергей Медведев
Войти